Manic street preachers : Kevin Carter

En 1994 el fotógrafo sudafricano Kevin Carter ganó el premio Pullitzer gracias a esta impactante fotografía en la que un buitre parece mirar acechante a una niña famélica.

 La fotografía fue tomada en Sudán en 1993 y está llena de posibles interpretaciones (la niña sería el tercer mundo, el buitre sería las potencias coloniales y el fotógrafo sería la población del primer mundo que no hace nada por evitar la hambruna). En realidad el buitre estaba esperando que le dieran comida, no estaba esperando que la niña muriera. Carter fue acusado de falsear la foto y recibió miles de críticas por no haber ayudado a la niña, limitándose a realizar una fotografía. 

Incluso se supo que estuvo esperando a que el buitre abriera las alas en busca de un mayor dramatismo. Carter no aguantó las críticas y empezó a odiar a su fotografía a sí mismo por no haber hecho más por el niño. Carter cayó en una profunda depresión y acabó suicidándose sólo 16 meses después de haber sacado la famosa fotografía.

Por cierto, la niña se llamaba Kong Nyong y murió en el año 2008 debido a unas fiebres, paradójicamente la niña vivió catorce años más que Carter.

Los Manic street preachers le dedicaron a Kevin Carter esta canción incluida en su excelente disco Everything must go del ya lejano 1996:

La voz dormida

Basada en la novela homónima de Dulce Chacón, La voz dormida nos narra la historia de una joven que abandona su Córdoba natal para estar cerca de su hermana que está presa en la capital.

 La voz dormida es otra película más sobre la guerra civil y sus consecuencias. Otra mirada más sobre la opresión brutal e inmisericorde a la que fueron sometidos los perdedores. Otra historia de sufrimiento y penurias en la España de la postguerra. Pues sí, todos estos tópicos están presentes en La voz dormida. No aporta nada nuevo en su temática ni en su desarrollo y se podría tildar de maniquea y tendenciosa pero es un film bien hecho que logra su objetivo de conmover al espectador.
Benito Zambrano (Solas) dirige esta historia sin ningún tipo de adorno o modernez innecesaria. Este tipo de historias ganan enteros cuanto de forma más sencilla se narran. La dirección artística y el vestuario consiguen transportarnos a la época, formando un conjunto muy homogéneo al servicio de la historia. Historia que no es imparcial, ni lo pretende. Zambrano entrega un film militante y coherente con sus ideas políticas, un film de denuncia que quizás pierda la deseable imparcialidad de todo film histórico (una utopía) en favor del homenaje a las víctimas de la represión franquista. Zambrano sabe que este tipo de dramas carcelarios no están de moda y que estas historias ya están muy vistas, pero le da igual, no pretende innovar nada sino evitar que este oscuro pedazo de nuestra historia caiga en el olvido.

Cine español de Post guerra: recogidos, curas y caras de pena.

Una vez más, Zambrano demuestra que su mayor baza es dirigir actrices, aquí consigue sacarles unas interpretaciones llenas de naturalidad. A mí me fascinaron los ojos azules de María León, había visto a esta actriz en alguna serie de televisión y la verdad es que en esta película me sorprendió muy gratamente. Tiene una innegable bis cómica (le viene de familia, su hermano es Paco León, el Luisma de Aída) pero también una gran capacidad de transmitir naturalidad y emocionar con su mirada. Creo que el film gana enteros cuando aparece ella en pantalla. También Inma Cuesta me resultó creíble. El resto del coral reparto femenino está bien, quizás algunas actrices están desaprovechadas debido a que sus personajes quedan algo desdibujados. Los actores no me gustaron, no me resultaron tan convincentes como sus compañeras de reparto.

 Una vez más Benito Zambrano nos entrega una buena película sobre mujeres gracias a su especial sensibilidad para emocionar al espectador. Y no, no lloré, pero casi.
6


Una reflexión gratis en tiempos de crisis: Por muy duras que se pongan ahora las cosas, nuestros abuelos las pasaron peor, bastante peor. Ya sé que no es un gran consuelo, pero nunca está de más conocer nuestra historia y qué nos ha  conducido hasta la situación actual.

Sombras tenebrosas (Dark shadows)

Lo de Tim Burton empieza a ser preocupante y digno de estudio. Si el personaje de Barnabás Collins de Sombras tenebrosas sufre una maldición que le convirtió en vampiro y estuvo 200 años enterrado en un ataúd, Burton parece ser objeto de otra maldición que le mantiene encerrado en ese auto-plagio al que muchos llaman estilo. Dark shadows es la enésima adaptación a la que Burton aplica su peculiar estética pero a la que es incapaz de sacar todo el jugo.

 Hablemos claro, TimBurton lleva demasiados años siendo incapaz de crear nuevas historias, sólo adapta a su estilo obras ajenas Ya sean clásicos la ciencia ficción (El planeta de los simios), clásicos infantiles (Charlie y la fábrica de chocolate), de la literatura (Alicia en el país de las maravillas), musicales (Sweeney Tood) o incluso colecciones de cromos (Mars Attacks!). Todas estas películas me parecieron decepcionantes, por cierto. Ahora se atreve con una serie de televisión de los años setenta que por estos lares es prácticamente desconocida: Dark Shadows.

 El film no está del todo mal, pero sabe a poco, estos personajes y esta historia podrían haber dado para mucho más. Burton se queda en la estética y se olvida del desarrollo de personajes una vez más, sí los presenta de forma convincente en el primer tercio del film, pero luego la cosa decae estrepitosamente. Me gustaron ciertos golpes de humor gracias al contraste entre el personaje de Barnabás Collins y el mundo moderno, también me gustaron los personajes de Michelle Pfeiffer (o cómo el bótox acabó con una gran actriz) y su hija (una Chöe Grace Moretz de inquietante presencia, hay que ver lo que ha crecido esta chica). Burton dota a la historia de algo de ironía y humor negro que son muy de agradecer e introduce algo de sexo (ya era hora, su cine era siempre demasiado infantil en este aspecto, no le importaba mostrar sangre pero sus personajes eran siempre asexuados). En Sombras tenebrosas el elemento sexy lo ponen la citada Chöe Moretz y una Eva Green radiante en todos los sentidos.

 Aparte de estos elementos novedosos (bastante escasos, la verdad) el film se mueve por los eternos parámetros del cine de Burton. La música de Danny Elfman me pasó bastante inadvertida, ni siquiera suena en los títulos de crédito iniciales cediendo el honor al Nights of white satin de The Moody blues, mejor. También está la inevitable presencia de la novia de turno de Burton, Helena Bonham Carter, la maldición implica sacarla en todas sus películas hasta que rompan su relación amorosa. La maldición también la obliga a colaborar con Johnny Depp, al menos esta vez está bastante comedido en gestos y tics, algo es algo. La maldición le obliga también a incluir homenajes como si de un director novato se tratara: aparece su admirado Christopher Lee aunque el señor esté ya para pocas hostias, y sin venir mucho a cuento colabora el cantante Alice Cooper haciendo de sí mismo y chupando demasiada cámara. Supongo que en la próxima película de Burton aparecerá Marilyn Manson, que es muy amigo suyo y de Johnny Depp.

Pues eso, la maldición Burton continúa. Flojita.
4,5

Garbage: Blood for poppies

Sí, amigos, Garbage han vuelto. Tras 7 años de parón regresan con un nuevo álbum llamado Not your kind of people. El disco no aporta nada nuevo que no hayamos oído antes en sus discos anteriores ni va a salvar a la mortecina industria musical, pero sí contiene un puñado de buenas canciones marca de la casa: melodías pop, buenos guitarrazos, una producción exquisita y la voz siempre estimulante de Shirley Manson. Para muestra, el tema elegido como primer single, en el vídeo se puede ver un claro homenaje al cine de Luis Buñuel y la famosa escena de la navaja el ojo de El perro andaluz. No es la primera vez que Garbage homenajean al genio de Calanda, en este otro vídeo se basaron en Belle de Jour.
 
 Por cierto, Garbage estarán presentando en directo su disco en el Bilbao BBK Live.

Serbis (2008)

 Las salas de cine se mueren, agonizan desde hace tiempo. Cada poco tiempo se cierran salas de exhibición, al final sólo van a quedar unos pocos multicines integrados en esos espantosos centros comerciales y en los que sólo se proyectarán grandes superproducciones hollywoodienses sin alma repletas de efectos especiales. Dentro de poco no habrá sitio para films como Serbis.

Serbis es un film filipino que narra el día a día de una familia que regenta un destartalado cine X en Manila. Lo que una vez fue una poderosa familia que tenía varios cines ahora se ven convertidos en unos trabajadores de un negocio que a duras penas les da de comer. La gente ya sólo va al cine para buscar algo de intimidad y tener relaciones sexuales. Nadie atiende a lo que se proyecta en la pantalla, el cine se ha convertido en el punto de encuentro de turistas en busca de sexo y travestis en busca de dinero. Los personajes suben y bajan constantemente las escaleras del cine como si de un inmenso laberinto se tratara. Viven, se aman, se gritan y se pelean siempre con el ensordecedor ruido del tráfico de la ciudad de Manila de fondo.

No sólo las salas de cine están en franca decadencia, también la familia está en plena transformación hacia no se sabe dónde. Acertadamente, el decrépito cine en el que transcurre la película de llama Family, toda una metáfora de la familia protagonista y de muchas otras. Los personajes principales son los de la abuela y su hija. Ellas son las piedras angulares sobre la que se sustenta todo el negocio. La abuela se haya inmersa en una cruda batalla legal con su marido al descubrir que llevaba una doble vida y que tenía otra familia. Todo el mundo de la abuela se viene abajo: su vida es una mentira, el negocio se va a pique, sus hijos la traicionan por dinero. Su hija se resigna a que sus sueños no van a cumplirse y ve cómo los jóvenes repiten sus mismos errores. Demasiado peso para los cansados hombros de unas luchadoras que ya no ven sentido en la lucha.

Brillante Mendoza dirigió Serbis en 2008 demostrando ser un hábil narrador capaz de mover la cámara por los eternos pasillos del cine. Su cine es anárquico sólo en apariencia pero nada está puesto al azar.  Los pasillo llenos de personajes, las largas escenas y la naturalidad de las interpretaciones pueden llegar recordarnos a maestros europeos como Fellini, Berlanga o Kusturika, pero ninguno de ellos llegó tan lejos al mostrar la decadencia de una sociedad. Por cierto, muchos calificaron de obsceno o, directamente, pornográfico a esta película. Serbis no es tal cosa, es cierto que contiene escenas bastante explícitas en las que el sexo no es simulado pero dista mucho de ser un film pornográfico. Su misión no es la de levantar las más bajas pasiones de los espectadores, más bien, todo lo contrario. El sexo del film es mostrado de forma cruda y sin adornos ni intenciones eróticas, formando parte de un conjunto decadente y asfixiante.

Serbis no es un film fácil, es tan sórdido y tan mundano como un retrete atascado. No será del agrado de la mayoría de los espectadores, pero creo que es una lúcida mirada al abismo desde el Tercer Mundo.

Infiltrados (The departed) versus Infernal affairs

Tras varios años en los que parecía que su carrera estaba en claro declive, Martin Scorsese volvió a brillar con Infiltrados (The departed, que significa Los difuntos, olé traducción). Con Infiltrados regresó al cine negro (lo que mejor se le da) e incluso ganó el Oscar a mejor película. Dato curiosos teniendo en cuenta que Infiltrados es un remake de la película China Infernal affairs (que aquí se llamó Juego sucio), analicemos ambas cintas.

Infernal affairs trata sobre un policía que lleva infiltrado varios años en una red mafiosa, a su vez la mafia tiene infiltrado a uno de los suyos dentro de la policía. El interesante juego del gato y del ratón se torna aquí en una tensa película en la que ya ninguno de los dos protagonistas tiene muy claro quien es quien ni qué diferencia el bien del mal. Especialmente el personaje del policía lo pasa francamente mal, lleva demasiado tiempo infiltrado viviendo una vida que no es la suya. Incluso empieza a pensar que los actos ilegales que comete habitualmente (necesarios para mantener su tapadera) pueden acabar por convertirle realmente en un delincuente. La frágil línea entre el bien y el mal se hace cada vez más difusa mientras la falta de una identidad y una vida personal propias pueden acaba por enloquecer al protagonista.

  Lau Wai Keung dirigió en 2002 este un buen thriller de acción a la Hongkonesa: tiene acción, tensión y esos antagonistas que realmente son muy parecidos. Hay una escena en la que cada uno de los protagonistas no sabe que está frente al infiltrado que busca, incluso tienen los mismos gustos y pasan un buen rato juntos. Es un film interesante, no es una maravilla, pero dejará satisfecho al espectador que busque un cine de acción con algo de trama. Recomendable también por el duelo interpretativo de Andy Lau y Tony Leung, las dos cara de la misma moneda. Posteriormente Wai Keung también dirigió las dos secuelas de este film, pero no las he visto.

En Infernal affairs Scorsese vio la oportunidad de volver al cine negro por la puerta grande. La trama daba mucho juego y Scorsese decidió rodar un remake a su estilo: el montaje endiablado, esos clásicos de rock que siempre usa como música de acompañamiento, luz cenital, etc. La dualidad de los protagonistas y la crisis de identidad del policía infiltrado siguen estando en el guión y Scorsese nos regala unas cuantas escenas memorables que podrían pasar a formar parte de su mejor cine.

 En infiltrados volvemos a ver la maestría dirigiendo del amigo Scorsese (a años luz de films previos como Gangs of New York o El aviador). La peli tiene momentos a la altura de clásicos como Casino, Taxi driver, Toro salvaje o Uno de los nuestros. Comparándola con el original, tengo que decir que Scorsese realiza una película de más calidad técnica en casi todos los sentidos. Es innegable que está mejor dirigida y la factura técnica no tiene comparación. Scorsese lleva el film a su propio terreno, no sólo lo cambia de país y de cultura, lo hace suyo y nos entrega su propia historia, adornando el guión original con secundarios y elementos de la trama que no siempre acaban de encajar. 

 Pensemos que el film chino dura sólo 97 minutos frente a los 152 del remake americano. Creo que el remake posee ciertas escenas en las realmente brilla el toque genial del maestro Scorsese, pero quizás haya demasiada paja. La historia se alarga demasiado, el interés no decae pero ciertos añadidos se podrían haber eliminado sin problemas. Hay un importante aspecto en la que la película original es claramente superior: en el remake se sacan de la manga un  triángulo amoroso que no hay quién se lo crea, demasiada casualidad. Realmente no es necesario y la trama funcionaría perfectamente sin él. En mi opinión, dicho triángulo es lo más forzado del film americano y no entiendo a qué se deben esta innecesaria modificación/aportación al guión original. ¿Era imprescindible crear un triángulo amoroso? ¿Era necesario meter una historia de amor aunque fuera con calzador? ¿Es una concesión de Scorsese al gran público? ¿Había que promocionar a la actriz Vera Farmiga? Ni idea, pero echa por tierra mucho de lo construido durante el resto del film, no es creíble y desvirtúa bastante lo visto hasta el momento. También el final sufrió varias modificaciones (que no puedo desvelar). En ambos aspectos, el film original es mucho más coherente y conciso.

En cuanto a los actores: Hay que destacar a un Jack Nicholson desatado dentro de uno de esos personajes tan extremos que tanto disfruta interpretando y con los que tanto nos hace disfrutar. El villano del film original no era tan histriónico, más bien todo lo contrario, pero es que con Nicholson la cosa se desmadra sin remedio. También me gustaron la pareja de infiltrados, tanto el soseras de Matt Damon como Leonardo DiCaprio están bastante correctos. Especialmente me gustó DiCaprio, los problemas de identidad de su personaje me parecieron bastante bien plasmados en pantalla. También me sorprendió Mark Whalberg en plan cabronazo.

Resumiendo, Infiltrados es un buen film que no deja de serlo por ser un remake (aunque le reste bastante mérito) sino por ciertas incoherencias y concesiones del guión. Una pena.

Por cierto, una pregunta para finalizar: ¿Cómo puede ser que a Martin Scorsese le dieran su único Oscar como director con un remake? Mejor no pensar en ello, cosas de Hollywood.

La llave de Sarah (Elle s'appelait Sarah, 2010)

Nada, continuo con mi molesta costumbre de hablar de películas que no ve nadie. En este caso creo que es una pequeña pena que esta película no haya tenido más repercusión. No es que sea de obligada visión, pero sí que La llave de Sarah es un film recomendable con el que vale la pena perder dos horas de nuestro valioso tiempo. No todo va a ser fútbol.

La llave de Sarah es un film francés dirigido por Gilles Paquet-Brenner que adapta la novela de Tatiana de Rosnay). El film nos sitúa en el agitado verano de 1942 en el seno de una familia judía en el París ocupado por los nazis. Obviamente, las cosas no se pondrán nada fáciles para la familia de nuestra niña protagonista, la Sarah del título. Pero el acierto de la película es que nos transporta 60 años en el tiempo hasta que una periodista americana que investiga uno de los hechos más vergonzosos y menos conocidos de la Segunda Guerra Mundial. Nuestra protagonista en el presente (Kristin Scott Thomas) descubre casualmente qué le ocurrió a la familia que ocupaba el apartamento en el que ahora ella va a vivir. La investigación se tornará en toda una obsesión por conocer la verdad y el paradero de aquellos personajes que una vez vivieron en ese lugar. Las dos líneas temporales (separadas por más de medio siglo) acaban atrapando al espectador casi por igual.

El film no es fácil de ver, yo me emocioné varias veces, hay algún momento bastante angustioso (sobretodo si eres padre) que te lo hace pasar francamente mal. Reconozco que estoy sensible con el tema y que todo lo que tenga que ver con el holocausto y los niños me afecta especialmente. Pero este film logró captar mi interés gracias a una interesante historia bien llevada. Paquet-Brenner sabe que la novela que adapta tiene mucho potencial y no arriesga con moderneces ni cae en excesos (que podría haberlo hecho fácilmente). Tampoco busca los aspectos más escabrosos, centrándose en narrar de forma eficiente la historia.
 Y vaya si lo consigue, yo puse la peli un día entre semana a ver que tal estaba y me estuve hasta casi la una de la mañana. No la vi entera pero me pasé todo el día siguiente dándole vueltas a la peli y a su posible conclusión. Lamentablemente, los veinte minutos finales decaen un poco y el final del film no está a la altura de lo esperado. Tras tantas emociones y tragedias a lo largo del film la conclusión decepciona un poco y puede que le sobren minutos. Opino que el esclarecimiento de los hechos más teribles se deberían haber dejado para el final, logrando así un efecto mucho más impactante y evitando que el interés decayera. Pero es sólo una opinión.

El film propone una reflexión sosegada sobre el pasado y cómo nos afecta en nuestras vidas, incluso lo que hicieron personas a las que nunca conocimos. Quizás nunca conozcamos realmente a nadie. La llave de Sarah no es un film perfecto pero está bien, aunque intuyo que la novela es mucho mejor.

Chronicle

Chronocle narra la historia de tres jóvenes que adquieren súper poderes. Pero no es una película de superhéroes, es una peli de personas normales con poderes extraordinarios.

Chronicle juega con los estereotipos del cine sobre súper héroes y nos ofrece una visión realista de todo ello. Intenta ser un film sobre adolescentes con poderes y no una peli de superhéroes. De hecho, los protagonistas no emplean sus nuevas habilidades en hacer el bien ni salvar al mundo, sino en hacer gamberradas varias y pasárselo de muerte volando por las nubes. Pero no todo será tan divertido, los poderes no pueden cambiar la dura realidad.  Los poderes adquiridos no solucionan sus problemas cotidianos. Los chicos adquieren poderes sobrenaturales pero el mundo que les rodea sigue inalterable: las enfermedades siguen ahí y la violencia familiar no desaparece. Todo ello crea un caldo de cultivo muy peligroso cuando la persona con poderes no tiene una personalidad suficientemente formada. Llegados a este punto debo decir que me gustó el tratamiento de Andrew (Dane DeHaan) y todo lo que le rodea aunque su evolución personal me resultó un tanto forzada en el último tercio del film.

El film es la opera prima de Josh Trank, quien rinde los debidos homenajes al tipo de historias con las que ha crecido. Chronicle emparenta con otras historias de ciencia ficción como los cómics de Spider-man (un gran poder conlleva una gran responsabilidad) o la saga de Star wars (Dane DeHaan me recuerda mucho al joven Mark Hammill, conocido por su papel de Luke Skywalker, quizás el parecido no sea casual).

 Lo de hacer que todo el metraje se articule a través de múltiples grabaciones caseras le da un acertado toque realista al asunto pero queda a veces un tanto forzado (debe echar mano a grabaciones de peatones, cámaras de televisión en ciertos momentos). Es un recurso muy visto que ha perdido bastante efectividad a pesar de que aquí resuelvan bastante bien la papeleta. A veces no tiene mucho sentido que alguien esté grabando, la verdad.

El film se deja ver sin problemas, entretiene e incluso logra sorprenderte gratamente un par de veces.

6

Los vengadores (The avengers)

Para que luego digan que comento películas muy raras que no conoce nadie. Hoy toca hablar de Los vengadores. Los vengadores te da justo lo que promete, ni más ni menos. Si no te gustan las películas de superhéroes de la Marvel, pues no le verás la gracia. Si te criaste leyendo los cómics de Los vengadores (como es mi caso) probablemente saldrás encantado. Incluso opino que los no iniciados en los cómics pueden salir más que contentos si no le exigen nada a la película.

Los vengadores es puro entretenimiento pirotécnico a base de efectos especiales, es cierto, pero lo mejor de la peli (lo que la separa de basuras tipo Transformers o G.I Joe) es que consigue que cada personaje mantenga su propia personalidad (ya presentada en película anteriores) logrando que los piques entre los héroes sea lo más destacado del film. A parte de espectaculares efectos especiales y alucinantes escenas de acción como la de el ataque al portaaviones volante o la batalla final en la destrozan medio Nueva York, esta película consigue entretener a base mezclar con cierta habilidad a personajes tan opuestos que las chispas saltan inevitablemente. Más que el enfrentamiento con los villanos, en mi retina se quedaron las peleas entre Thor y Hulk o entre Iron Man y El capitán América. Por cierto, me gustaron mucho las referencias al traje desfasado y hortera del Capitán. Es esa ironía y esa auto parodia lo que salva de la quema a esta serie de películas sobre personajes Marvel. No procede ponernos puristas con el guión (una chorrada bastante grande que no hay por donde cogerla) ni debemos pedirle fidelidad a unos cómics que empezaron a publicarse en 1963. Pero sí hemos de agradecerle ciertos golpes de humor y que no trate al espectador adulto de idiota.

El director Joss Whedon (Serenity, Buffy la cazavampiros) se limita a narrar lo que pone en el guión y a cumplir con su función de asalariado. Al menos consigue que las peleas se entiendan y no marea al espectador. No es esta una película de autor, es una película de estudio dedicada a gustar al mayor número posible de espectadores. Visto lo visto, el objetivo se ha cumplido, los niños que había en  la sala se lo pasaron en grande y yo salí con la cabeza y los oídos aturdidos pero satisfecho. Tenía mucho miedo a esta película pero creo que la esencia de los personajes se ha respetado y el espectáculo es más que digno.

¿Los actores? Pues están correctitos en sus papeles, me sigue gustanto mucho el irónico y macarra Tony Stark de Robert Downey Jr (impagable esa camiseta de Black Sabbath) y a Scarlett Johansson le siguen quedando muy bien las mallas negras. Yo hubiera optado por unos trajes femeninos más escuetos o menos resistentes a los fragores de la batalla, pero es una opinión personal. Del resto del reparto me quedo con Tom Hiddleston y su Loki manchando de baba el cristal que le separa de la Viuda negra. A destacar el inevitable cameo de Stan Lee (que para algo es el creador de todo este tinglado) y la divertida aparición de Harry Dean Stanton.

 Los Vengadores es un film palomitero casi perfecto para pasar al rato y que dejará más que satisfechos a los aficionados al cómic.

P.S.1 : ¿Habrá Los Vengadores 2? Me apuesto mi colección de tebeos de Los vengadores de ediciones Fórum a que sí. Por cierto, no os levantéis de asiento nada más empezar los títulos finales, como viene siendo habitual, os espera una sorpresa.

P.S. 2: Pero qué ojo tienen los de Marvel que hasta han incluido un temazo nuevo de Soundgarden (uno de mis grupos favoritos de los 90) tras 15 años de inactividad discográfica. Otro punto más a favor de esta peli.

Toy Story + The Shinning = Toy Shinning

Pues eso, El resplandor hecho digitalmente con los personajes de Toy Story de Pixar. Curioso.

Take Shelter

Take shelter es un film atípico. No es la habitual historia sobre catástrofes ni es una película de fácil asimilación. Estáis avisados. Si buscas una historia original, muy bien narrada y muy bien interpretada, Take shelter os gustará. Si buscas que te lo den todo mascado y tú sólo has de tragarlo, Take shelter se te atragantará (y mucho).

La historia de padre de familia que presiente que una terrible catástrofe se acerca se podría haber narrado de muchas maneras pero Jeff Nichols opta por salirse por la tangente y nos entrega un film atípico y valiente. La catástrofe no se encuentra en el exterior (en la naturaleza) sino en el interior del personaje protagonista. El miedo parece ser el verdadero enemigo y la verdadera tormenta que amenaza nuestras vidas. Para el miedo no hay refugio ni valen máscaras anti gas. Cuando el enemigo está en tu mente y no puedes distinguir la realidad de la imaginación, estás realmente jodido. El miedo puede paralizar tu vida o, lo que es peor, echarlo todo a perder.

El estilo de Nichols es más que correcto y solvente, el tipo sabe moverse con la cámara y nos adentra perfectamente en la pesadilla que viven los protagonistas. La tensa calma que destila toda la película me pareció muy lograda y agobiante (bastante más que cientos de edificios volando por los aires). Take shelter sugiere muchas preguntas (¿Dónde reside realmente la catástrofe? ¿Qué diferencia a un loco de un héroe?) pero deja al espectador la tarea de hallar sus propias respuestas. Nichols juega deliberadamente con todos los tópicos del cine de catástrofes: la típica familia americana, la niña con discapacidad, el perro, medio rural, etc y los desarrolla como si de una película de los hermanos Coen se tratara. A mí me recordó en algunos aspectos a Un tipo serio (ese final...).

Michael Shannon (Revolutionary road, Boardwalk empire) está realmente magnífico durante todo el film y nos entrega una de las mejores interpretaciones de los últimos años. Shannon compone de forma brillante un personaje tan al borde de la locura que nunca sabemos a qué atenernos. Shannon y Jessica Chastain (El árbol de la vida) están en sus mejores papeles hasta la fecha, ambos están asombrosos en la dramática e inolvidable escena de la fiesta. 

 Puede que el protagonista sea una metáfora de la sociedad actual o que simplemente la peli sea una paranoia de un director con ganas de llamar la atención. Quien sabe, cada uno que saque sus propias conclusiones. Quizás Take shelter se convierta con el tiempo en un film de culto para gafapastas, a mí me pasó como con Tenemos que hablar de Kevin, me gustó pero no me fascinó.

6,5

Jack White - Sixteen Saltines

Nuestro amigo Jack White acaba de publicar su primer y excelente disco en solitario. Tras ser pieza clave en grupos como The White Stripes o The dead Weather ahora White publica "Blunderbuss" bajo su propio nombre. El disco incluye temazos de rock añejo tan excitantes como este Sixteen saltines. Sube el volumen, leñe.